Artistes: Txaro Fontalba, Fermín Jiménez Landa, María Jiménez Moreno, Amaya Suberviola, Amaia Molinet, Marcos N. Sayas et Laida Aldaz.

Du 25 aoÓt au 24 septembre 2023, Baluarte accueillera les projets développés par les bénéficiaires du Programme 2022 de bourses pour les arts visuels et plastiques dans la catégorie production, attribué par le Centre d'art contemporain Huarte et le Département de la culture du gouvernement de Navarre.

Les artistes qui exposent leurs œuvres sont Txaro Fontalba, Fermín Jiménez Landa, María Jiménez Moreno, Amaya Suberviola, Amaia Molinet, Marcos N. Sayas et Laida Aldaz. Chaque artiste a choisi la manière de montrer le processus mené tout au long de l'année 2022 dans la réalisation de son projet. D'où les différentes approches des œuvres qui s'inscrivent dans un contexte plus large de développement artistique, d'expérimentation ou de recherche.

Programme

- Ouverture. Vendredi 25 aoÓt à 19h00.

- Conversations avec les artistes. Jeudi 7 et jeudi 14 septembre à 19 h.

- Pendant toute la durée de l'exposition, des visites pour différents groupes seront organisées par l'équipe éducative du Centre Huarte.

L'exposition sera ouverte du lundi au vendredi de 18h00 à 20h00 et les samedis et dimanches de 11h30 à 13h30 et de 18h00 à 20h30.

À£Â…¤L'exposition est accompagnée de cette publication qui comprend un texte de Juan Zapater, qui a fait partie du jury qui a attribué les bourses avec Celia Martín Larumbe et Greta Alfaro.

À£Â…¤TXARO FONTALBA: CLITORIA

En 1988, j'ai obtenu un diplÀƒôme en beaux-arts, avec une spécialisation en sculpture, à l'UPV/EHU. Par la suite, j'ai suivi un cours de troisième cycle en sculpture à Londres et j'ai participé à plusieurs ateliers à Arteleku. Ma pratique artistique se développe dans le domaine de la sculpture, de l'objectualité et du dessin, faisant de l'objet trouvé une partie importante de mon travail. La subjectivité féminine et les questions de genre traversent mon travail à travers des thèmes tels que l'imaginaire de l'amour, l'éducation sentimentale, le plaisir féminin ou les figures liées à la maternité, perturbant les clichés et les archétypes du féminin et remettant en question les rÀƒôles sexuels et sociaux.

"Clitoria" est un projet expérimental de symbolisation du plaisir féminin, historiquement rendu invisible, symboliquement barré ou même, dans certains endroits, physiquement mutilé. Fontalba présente "Hysterical Playground" autour de l'objet bascule, en mettant l'accent sur le contraste entre l'économie de l'utérus et de la reproduction, par opposition à celle du corps (féminin) en tant que lieu de plaisir. Et "Al aire de su vuelo" en relation avec le plaisir féminin clitoridien, à travers la figure de l'ascension de la Vierge Marie comme affirmation de la politique sexuelle, comme signe de la femme clitoridienne, en marge des monothéismes et du canon vaginal.

FERMÀƒÂN JIMÉNEZ LANDA: DULCE TRAGO AGRIDULCE

Il a exposé à la biennale Manifesta 11, aux musées MAZ de Zapopan, Artium, Musac, CA2M et Oteiza, à la Künstlerhaus Bethanien, au Centro Botín, à La casa Encendida et dans des galeries telles que Moisés Pérez de Albéniz, Travesía Cuatro, Nogueras Blanchard et ÀƒÂngels Barcelona. Il a travaillé avec Consonni, 1646 à La Haye et HIAP à Helsinki.

Dulce trago agridulce est un processus et un résultat. Il s'agit de la recherche de figures de pouvoir telles que des politiciens, des fonctionnaires et d'autres types de personnes influentes qui ont une empreinte dentaire pour faire un moule de leurs dents supérieures et en faire plusieurs copies en métal coulé. Le résultat est une pièce sculpturale avec laquelle le public peut littéralement mordre dans le pouvoir. L'œuvre nécessite une négociation quelque peu perverse entre l'art et la hiérarchie, beaucoup de diplomatie, de dialogue et d'humour. Le moment nucléaire ne dure peut-être que quelques secondes: la sculpture centrale du projet est une marque éphémère sur le corps.

MARÀƒÂA JIMÉNEZ MORENO: DEBAJO DE MI ALMOHADA VIVIRÀƒÂN TODAS MIS COSAS

DiplÀƒômée en beaux-arts de l'UPV, elle s'est formée dans différentes disciplines et ateliers. Elle a bénéficié de plusieurs bourses, prix et résidences. Elle a organisé de nombreuses expositions collectives et individuelles, dont Meditaciones en la Capilla del Museo de Navarra (Méditations dans la chapelle du musée de Navarre). Elle utilise l'art textile comme outil de revendication des pratiques traditionnelles liées au féminin.

Ce projet est né du dicton populaire "Je dormirai dessus", à partir duquel j'ai pris l'objet oreiller (coussin ou similaire) comme élément symbolique et point de départ. Il reflète différentes questions de la vie quotidienne qui émergent dans les moments de repos et de calme, des concepts tels que les rêves, la fantaisie, la spiritualité, le temps qui passe, l'absence, l'amour, l'empathie, la prospérité, la migration, la peur, l'environnement, les tâches quotidiennes, les vacances, le stress ou la famille. Le processus créatif se concentre sur l'expérimentation de l'impression textile, de la broderie et de la couture. Le résultat final est une série de 16 pièces textiles sculpturales liées à la conception de mobilier domestique. Chacune des œuvres évoque un lieu, une pièce ou une émotion, en relation avec les concepts travaillés.

AMAYA SUBERVIOLA: TRADUCCIÓN DE PANTALLA

Né en 1993 à Mendavia, il a étudié les beaux-arts à l'UPV/EHU, où il a également obtenu un master en peinture. Il a exposé individuellement dans des galeries telles que Lumbreras (Bilbao) et Di Gallery (Séville). Il a reçu des prix tels que Propuestas Vegap ou le prix de peinture BMW, ainsi que la bourse Mario Antolín.

Ce diptyque est réalisé selon une logique de composition similaire à celle qui se produit lors de la superposition de fenêtres avec des images ouvertes sur le bureau de l'ordinateur. La toile mÓrit au fur et à mesure que des couches et des fragments d'images sont traduits en peinture selon les besoins de l'œuvre elle-même. Il en résulte deux scènes où l'auteur se cache tout en nous laissant voir à travers des espaces qui agissent comme des judas sur les états antérieurs de la toile. Le travail d'Amaya Suberviola est basé sur l'intention d'aborder la peinture d'un point de vue contemporain, influencé par la façon de regarder l'époque qui nous entoure. À cette fin, Suberviola se concentre sur les caractéristiques particulières des images et de leurs contenants de sa génération, en proposant une traduction en peinture. Elle insiste sur l'importance du concept de traduction ou d'interprétation, presque comme une manière de s'engager dans son époque et de donner à la peinture la valeur qu'elle mérite, non seulement en tant que technique, mais aussi en tant que langage.

AMAIA MOLINET: LA IDEOLOGÀƒÂA DEL AMOR

(1988), originaire de Lodosa (Navarre), travaille et vit à Bilbao et à Cluj-Napoca (Roumanie). Doctorante en recherche artistique avec le projet de thèse "Photographie et territoire. Múltiples Acontecimientos Atravesados por el Amor" à l'université du Pays basque UPV/EHU. Elle développe sa pratique artistique à partir d'une photographie élargie, abordant la relation entre le territoire et l'identité, et soulignant la valeur symbolique des éléments du paysage. Il a reçu des bourses et des prix d'organisations telles que le Solomon R. Guggenheim Museum New York, INJUVE le ministère espagnol de la culture, Eremuak et le gouvernement basque, C arte C Madrid, Centro Huarte et le département de la culture de Navarre, ou la fondation BilbaoArte Fundazioa, réalisant des projets spécifiques, des expositions individuelles et collectives, ou des résidences artistiques au Sahara occidental, en Islande, en Argentine, au Chili, en Autriche, en Roumanie, en Slovaquie, aux États-Unis, en France et en Espagne.

Dans le cas des spomeniks, terme qui se traduit par monument, ils ont une fonction commémorative évidente du point de vue esthétique, qui non seulement fait allusion à une idéologie attachée à la forme de gouvernement de l'époque, mais est également capable de rassembler la projection d'une identité commune dans des territoires très complexes. Je m'intéresse à la signification de chacune de ces interventions dans le paysage de différentes parties de notre continent. Ce sont des constructions de ciment et de béton construites et commandées par des hommes. Même leur présence imposante, si elle était sexuée, nous dirions qu'elle est culturellement construite et perçue comme quelque chose de masculin. À partir d'un intérêt pour les questions liées à la mémoire historique et d'un certain prisme écoféministe, une lecture personnelle de divers sites où l'on peut trouver des spomeniks et des bunkers est proposée. Je veux que l'amour soit ma motivation et la méthodologie de travail par laquelle je peux traverser et symboliser l'histoire de notre continent, nous permettre une relecture à travers l'art contemporain et ouvrir la possibilité d'autres récits. Je comprends que l'amour a à voir avec le désir et la fascination, mais aussi avec l'affection, l'attention et la réparation, et c'est à partir de cette dernière logique que j'ai voulu opérer.

MARCOS N.SAYAS: MURMURO

Pampelune, 1999. Marcos Navarro Sayas a étudié les beaux-arts à Valence avant de s'installer à Madrid, où il vit actuellement. Son œuvre, essentiellement constituée d'aquarelles détaillées, puise ses racines dans la nature sauvage et le monde magique et mythologique de la Navarre qui, élargi par un langage personnel plein de symboles et de métaphores, donne naissance à un univers pictural sauvage où animaux et personnages solitaires coexistent parmi les forêts et les champs de brume.

La forêt a son propre langage, le murmure: un ensemble de sons doux qui cachent un univers derrière eux. Les œuvres qui composent ce projet cherchent à explorer tout ce qui se cache derrière le murmure; la naissance, la mort, le sommeil, l'éveil, les réalités et les fantasmes qui assaillent nos rêves et nous amènent à imaginer un monde parallèle dans la forêt.

LAIDA ALDAZ: TO LET GO

Laida Aldaz Arrieta (Iruñea, 1980) est une artiste multidisciplinaire qui s'intéresse particulièrement à l'hybridation des arts. Ses œuvres se concentrent sur la relation entre le corps et l'espace, réinterprétant des lieux non scéniques en leur donnant une autre signification et en les transformant en lieux scéniques. Il a créé l'association culturelle "El Trastero Creativo" et le festival "Zinetika", qui explore la relation entre la danse, le cinéma et les nouvelles technologies, et codirige le centre chorégraphique La Faktoria.

To Let go est un livre de poésie visuelle à grande échelle qui contient quatre écrans intégrés sur lesquels des images animées différentes apparaissent chaque fois qu'une page est tournée. On y voit des personnes attachées à des objets et les unes aux autres, évoquant l'impossibilité de lâcher prise.