Tabakalera inaugure Topalekuak, une exposition qui s'inscrit dans le cadre des célébrations du centenaire d'Eduardo Chillida et qui propose un espace de dialogue entre l'œuvre de l'artiste basque et les pratiques artistiques contemporaines. Conformément à l'engagement du centre en faveur de la création contemporaine, la proposition d'exposition a été élaborée dans l'intention d'explorer de nouvelles perspectives sur des questions fondamentales concernant l'œuvre de l'artiste à partir de la pratique artistique d'aujourd'hui.

L'étroite collaboration avec la famille Chillida, l'équipe du musée Chillida Leku et la Fondation Eduardo Chillida - Pilar Belzunce a été essentielle pour la création de cette exposition, offrant un accès privilégié à l'œuvre, aux écrits et aux archives d'Eduardo Chillida.

Ainsi, sous la direction de la conservatrice et chercheuse Soledad Gutiérrez, Tabakalera a invité des artistes de différentes disciplines, locaux et internationaux, à se plonger dans l'œuvre artistique d'Eduardo Chillida (Saint-Sébastien, 1924-2002) pour créer de nouvelles pièces qui dialoguent avec son travail. L'exposition présente des œuvres d'Elena Aitzkoa, Josu Bilbao, Laia Estruch, Sheroanawe Hakihiiwe, Juf (Bea Ortega Botas et Leto Ybarra), Christian Salablanca Díaz, Marianna Simnett et Eduardo Chillida lui-même.

Le titre Topalekuak fait référence, d'une part, à la série "Lugar de encuentros", réalisée par Eduardo Chillida entre 1964 et 1974, composée de grandes constructions en béton suspendues dans lesquelles Chillida, s'inspirant de l'architecture d'anciens lavoirs, réfléchit à la circulation de l'eau. En même temps, elle nous ramène au moment où l'intuition devient certitude et que l'artiste lui-même définit comme des "rencontres" avec des idées. D'autre part, il convient de noter que Chillida a suivi la méthode du "dessin de la main gauche" pour éviter de dépendre de son habileté et de ses connaissances antérieures. Cela lui permettait de laisser ses émotions et sa sensibilité guider son travail.

Cette pratique, similaire à ce que nous appelons aujourd'hui l'écoute active, se concentrait sur la relation avec les matériaux et sur les sensations et les perceptions. Chillida disait: "L'expérience est orientée vers la connaissance. La perception est orientée vers la connaissance". Cette idée, qui remet en question l'accumulation de connaissances, inspire de nombreuses propositions de l'exposition. Celles-ci seront accompagnées de deux petites pièces en plâtre de Chillida, homonymes de celles de la série "Lieu de rencontre", qui accueilleront les visiteurs dans la salle d'exposition.

L'exposition cherche donc à créer un espace de réflexion sur l'intuition en tant qu'élément de recherche, le lien avec le lieu et d'autres formes de connaissance plus sensibles et sensorielles en tant que méthodologies de travail. Dans cet espace, une conversation est créée entre une série de propositions artistiques, dont quatre nouvelles productions réalisées spécifiquement pour l'exposition, qui ouvrent la voie à des réflexions plus larges sur la matérialité, les processus de travail et la manière dont nous sommes en relation avec les contextes dans lesquels nous vivons.

Dialogues avec Chillida

Dans l'ensemble d'éléments sculpturaux asàska, Josu Bilbao (Bermeo, 1978) explore les phénomènes phonético-acoustiques de la parole, tels que l'accent et l'intonation, en les reliant intuitivement à la sculpture. Dans Topalekuak, Bilbao crée des volumes sculpturaux à partir de vêtements vidés qui fonctionnent presque comme des corps. Ces volumes, comme la langue basque, n'ont pas de racine connue, ce qui permet l'imagination et la narration. Le transfert de ces œuvres de son atelier d'Artxanda (Bilbao) à l'espace d'exposition les transforme en installations qui reflètent le passage du temps et les effets naturels. Cela nous invite à réfléchir sur le collectif et le rôle de l'oralité dans la mémoire et la transmission culturelle.

L'installation Sokasalto de Juf [Beatriz Ortega Botas (Oviedo, 1990) et Leto Ybarra (Madrid, 1991)] avec de la corde, du moteur et du méthacrylate, est une investigation pratique qui fusionne le corps et le langage. En utilisant la ponctuation poétique comme outil, ils explorent comment le langage peut s'enraciner et affecter un espace spécifique, et comment se développe un discours ancré dans le temps et le lieu. L'œuvre créée pour l'exposition est une cambrure motorisée qui, à chaque fois qu'elle touche le sol de la salle d'exposition, traduit les signes de ponctuation en rythme. Cet artefact invite à une réflexion sur la présence corporelle et les facteurs de pouvoir qui influencent le langage, offrant une exploration approfondie de la relation entre le rythme, l'espace et le sens.

Dans Maqueta para Homenaje a Hokusai (1991), Eduardo Chillida réfléchit au potentiel de transformation de la sculpture par rapport à l'espace, qui invite le spectateur à le traverser. Dans cette œuvre, la matière touche la terre et la gravité se manifeste par le poids des plans verticaux, contrairement au projet Lugar de Encuentros (1972 et 1973), conçu pour être suspendu dans les airs et léviter. Cette dualité dans l'œuvre de Chillida aborde non seulement les aspects spirituels et mystiques, mais aussi la relation avec les éléments naturels environnants, soulignant sa capacité à définir des espaces de contemplation et d'introspection.

Sheroanawe Hakihiiwe (Sheroana, Venezuela, 1971) est un artiste vénézuélien basé à Pori Pori, une communauté Yanomami en Amazonie. Depuis les années 1990, son travail se concentre sur la sauvegarde de la mémoire orale, de la cosmogonie et des traditions ancestrales de son peuple. Dans Topalekuak, elle présente une série de dessins qui révèlent une profonde cosmovision, où le caractère spirituel des animaux, des rivières et des plantes est imbriqué dans un récit sacré, soulignant le lien essentiel avec la nature.

Elena Aitzkoa (Apodaka, 1984) travaille dans la vallée de l'Alava à Zarandona, où l'écho résonne entre les bois et la rivière pour nous parler de l'expérience du corps lui-même lorsqu'il ressent le vide. Ses sculptures intègrent des éléments naturels avec une approche sensorielle et poétique. Un processus de travail marqué par la recherche de "l'image dans le reflet", qui est parti du lavoir d'Apodaka pour construire un paysage traversé par le flux de l'eau qui résonne dans l'espace d'exposition. Un paysage qui évoque la présence d'êtres évoqués à travers les dessins et les vestiges naturels qui font partie des sculptures elles-mêmes.

Laia Estruch (Barcelone, 1981) récupère dans Sibina (2019) les anciens abreuvoirs pour animaux qu'elle active par la performance pour transiter d'un état terrestre à un état plus aquatique, guidée par un poème dans lequel elle construit une histoire basée sur la tradition orale, mettant en scène différentes figures féminines. À travers la transformation des mouvements du corps et de la voix en relation avec l'eau et les sculptures elles-mêmes, le projet cherche à éditer une série de chants spirituels pour engendrer un rituel qui nous ramène à la substance de la nature humaine et de son environnement.

Les pièces qui composent Con las palmas de las manos, con las plantas de los pies (2024) de Christian Salablanca Díaz (Guararí, Costa Rica, 1990) explorent l'activation de la mémoire par la vibration. Il utilise des instruments de musique simples qui réunissent les traditions sonores du Pays basque et de l'Amérique centrale. Ces instruments fonctionnent comme des objets sculpturaux qui parlent non seulement de la rencontre entre les cultures, mais aussi entre les espèces. Ils reflètent la coexistence des plantes avec les humains et les insectes qu'ils nourrissent, suggérant le rôle possible de médiateur des plantes dans les conflits qui équilibrent le monde naturel.

Dans ce processus, les dessins végétaux d'Eduardo Chillida (1946-1951) se distinguent en révélant son désir d'explorer la nature par l'observation active et le dessin. Les formes botaniques flottent dans l'espace, abstraites de leur contexte, comme les objets sculpturaux de Salablanca Díaz ou les entités naturelles de Sheroanawe Hakihiiwe. Cet élan de connaissance se reflète dans les séries Lurra [Lurra G-246 et Lurra 81, (1983)] et Óxidos (Óxido 42, 1979) de Chillida, où il utilise la terre à la place du fer et du béton, modifiant l'échelle pour créer des monolithes plus petits. La cuisson et les pigments influencent le résultat final, qui est souvent incontrôlable pour l'artiste.

Blue Moon (2022) est une installation audiovisuelle dans laquelle Marianna Simnett (1986) présente une figure féminine, une Athénée contemporaine piégée dans une forêt bleue technicolor. Son corps est transformé à l'infini par un algorithme d'intelligence artificielle. Une nature saturée qui ne cherche pas à être romantisée, mais plutôt à être un espace de réflexion critique sur la technologie sous toutes ses formes, des processus artisanaux à ceux générés par les ordinateurs.

Programme d'activités

Tabakalera a organisé un vaste programme d'activités autour de l'exposition.

• 20 juin: 19:30 Performance de l'œuvre Sibina par l'artiste Laia Estruch.
• 11 juillet: 19:00 Visite guidée avec la directrice du Musée Chillida Leku, Mireia Massagué.
• 20 juillet: 12:00 Visite guidée avec le directeur du développement du Musée Chillida Leku, Mikel Chillida.
• 4 octobre: 19:00 Activation de l'œuvre Sokasalto de Juf (Bea Ortega Botas et Leto Ybarra).
• 5 octobre: 12:00 Visite guidée avec la commissaire de l'exposition Soledad Gutiérrez.
• 5 octobre: 13:00: Action de chant "Toda la noche ha llovido fuera" par l'artiste Elena Aitzkoa.
• 5 et 26 septembre: Arte-makina, cours d'art contemporain avec la responsable de l'éducation et de la recherche du musée Chillida Leku, Nausica Sánchez, et Kanpoko bulegoa, atelier d'artisanat pour une réflexion appliquée sur la culture rurale et le territoire.
• Du 3 juillet au 2 octobre (sauf le 31 juillet): Les mercredis tous les quinze jours, visites guidées à 18:00 en espagnol et à 19:00 en basque.
• 13 juillet, 24 août et 14 septembre: Kameleoiak gara! Atelier d'art en famille.